NOCTURNOS: AL BORDE DE UN HURACAN

un mensaje desde Buenos Aires

No se si te has podido dar cuenta de la intensidad de emociones que transmites... Desde éste rincón del mundo, que parece lejano para todos, o a casi todos..., existen corazones que laten y sienten tanto como en cualquier otro lugar del planeta, y si hoy, ésta noche, al dormirme, pienso previamente en vos..., en tus imágenes..., en ese cuadro de pérdida y resignación..., que no me gusta, pero reconozco como real, como parte de esa realidad de los que aman distinto a todos..., o a casi todos..., y en esa imagen de amor intenso y verdadero, que me gusta, y recononozco también como real..., como nadie siente, o casi nadie... es porque algo importante has hecho amigo mio, sin que sepa quien sos, pero que algo has cambiado en mi interior, en mi alma..., y estás ahí.-Ojalá vengas, mas allá de Madrid, cruzando el charco, a la Madrid del Sur, a Buenos Aires, no dejes de avisarme si es así. Un abrazo enorme. Daniel.-

1. REFLEXIONES DEL AUTOR

Huma Rojo comenzó a fumar por culpa de Bette Davis.
Mis comienzos en la locura de crear personajes también fueron por culpa de "La loba". Y por Marlene Dietrich, Greta Garbo, las dos Hepburn, Ava Gardner... Incluso Sara Montiel. Luego llegaron la poesía de John Ford, las canciones de Tino Casal, la sensibilidad de Charlot, el cine mudo y los boleros de Antonio Machín en casa de Jordan.
Todo pareció canalizarse a través de mis noches en el Tenneret, las mañanas del Santa Clara, las conversaciones mágicas comiendo morenitos en las tiendas K... y las lágrimas por el primer desamor, las cicatrices del segundo...
El poeta dijo que "escribimos para sentir que no estamos solos". Quizá por eso también me fotografío teniendo como base unos versos que evocan todos aquellos ingredientes de mi vida primitiva.
Lo que leéis soy yo.
Esta es mi verdad.

NOCTURNOS es una obra en la que he intentado reunir todas las constantes que se han dado cita a lo largo de las obras literarias y guiones cinematográficos que llevo arrinconando en algún lugar perdido de mis sentimientos.
Estoy seguro de que algún día sonará la flauta y que todo lo que ahora fluye a través del teclado de mi ordenador al ritmo que marcan los latidos de mi corazón, se verá publicado, y que tú, querido amigo/a podrás saborearlo (si es menester) tal y como mandan los cánones: en letra impresa.
El amor y su constante búsqueda – aunque al final es algo que se encuentra -, el deseo de sentirse acompañado en un mundo a priori hostil, la soledad de los marginados y el destierro al que se someten aquellos que han perdido en la batalla de los sentimientos, son los verdaderos ingredientes de los versos que acompañan a las imágenes protagonizadas por gente maravillosa que, sin inconveniente alguno, sin pedirme explicaciones sobre a lo que se exponían, etc, han posado para mí con la generosidad y el amor que yo también les dedico a cada instante.
Desde estas líneas, como preludio a NOCTURNOS, dar las gracias a las verdaderas estrellas de este universo literario mío.
Y como siempre me despido, vayan por delante mis mil besos.

JAMES DEAN, el bulevar de los sueños rotos

"¿que si soy bisexual? bueno, no voy por la vida con una mano detrás de la espalda" James Dean: el hombre que convirtió la rebeldía en glamour y conquistó la eternidad al estrellarse con su Porsche plateado un día de septiembre de 1955 a la edad de veinticuatro años. "No es nuestro héroe porque fuera perfecto, sino porque representaba perfectamente el alma maltratada pero hermosa de nuestros tiempos", dijo de él Andy Warhol. Así James Dean ha pervivido en la memoria de los mayores y en la fantasía de los jóvenes, pero nadie hasta hoy había ido más allá del póster, del icono que Hollywood quiso vender al gran público. Tras años de rigurosa investigación, basada en documentos nuevos y fotos inéditas, Paul Alexander ha conseguido descubrirnos al hombre de carne y hueso que se escondía tras la leyenda, desvelando los enigmas de la vida íntima de ese oscuro objeto del deseo que la muerte se llevó para devolvérnoslo cada día más hermoso e intocable. Paul Alexander es un periodista de reconocido prestigio y colaborador asiduo de The New York Times Magazine, Premiere, Village Voice y The Guardian. También cuenta en su haber con una biografía de Sylvia Plath titulada Rough Magic y un texto de investigación sobre la muerte de Andy Warhol que se publicó con el título de Death and Disaster. Actualmente el autor vive y trabaja en Nueva York.

NOVEDADES EDITORIALES DE TEMATICA HOMOSEXUAL

SECRETOS COMPARTIDOS, de Mado Martínez. La llegada del primer amor, los sentimientos descubiertos, las caricias desconocidas... Son algunas de las experiencias vividas por los protagonistas de 'Secretos Compartidos'. Diez interesantes relatos que desvelan las distintas huellas del deseo. Algunos, vividos por la propia autora, descubren los secretos más íntimos de su adolescencia, de sus deseos y sus pasiones por lo recién descubierto. Un juego de recuerdos, sexo y amor, transformado en palabras.

ESTACION EN CURVA, de Jonás Vega. Este joven periodista nos sorprende, dos años después de su gran éxito 'Los Amigos Circunstanciales', con 'Estación en curva'. Una nueva obra que poco tiene que ver con su primera novela. El libro cuenta dos historias diferentes, con situaciones al límite y donde temas como la inmigración, el éxito o la soledad nos inducen a su lectura. Vivencias extremas con un único objetivo: alcanzar la felicidad. La obra se completa con un 'Bonus Track', una recopilación de relatos como regalo para sus seguidores.

VAGOS, MALEANTES... Y HOMOSEXUALES, de Aparicio Nathan Avidez. ¿Te imaginas lo que ocurriría si un homosexual se atreviese a salir del armario en tiempos de Franco? Lo que ayer se consideraba un tabú, hoy es toda una realidad. 'Vagos, Maleantes... y homosexuales' es un estudio sobre la represión homosexual durante la época franquista. A través de dos ejes principales, la legislación y la medicina, este autor tratará de explicarnos el porqué de la represión sexual en la sociedad franquista.

LA AGENDA DE LOS AMIGOS MUERTOS

la historia desgarradora de una madre sufridora en el mundo de la droga. "¡Me he reprochado tanto el no haber hablado más con ella, el no haber estado a su lado cuando sus fuerzas flaquearon, para enseñarle a decir no!" En esta historia real, la autora narra el doloroso episodio de la muerte de su hija mayor, precedida de una larga y dramática agonía de 19 años atrapada en el mundo de la heroína. Fueron muchos años en los cuales pasó de todo, con la muerte siempre al acecho, con los sobresaltos de madrugada, cuando el teléfono sonaba para anunciar alguna tragedia... Raquel Heredia, cronista parlamentaria, relata estos escalofriantes sucesos y su entorno casi siguiendo el día a día, armada con la precisión y objetividad de la periodista al tiempo que con el profundo dolor de una madre a quien le han arrebatado lo más preciado. Al compás de una prosa tan sencilla como sugerente, este libro, reflejo del horror que viven hoy en día numerosas familias, analiza con lucidez y objetividad el terrible drama que supone la droga para la juventud de nuestro país, al tiempo que constituye la sentida confesión de una mujer valiente que lo ha vivido en su propia carne. Para que nunca más ocurran tragedias como ésta, para que alguna vez nos veamos libres del azote de la droga, he aquí La agenda de los amigos muertos, un testimonio desnudo y conmovedor. Raquel Heredia, periodista de larga trayectora, ha tenido ocasión de presenciar e informar de los hechos más importantes de nuestra historia reciente. Entrevistadora y reportera prestigiosa, fue designada cronista parlamentaria en la Legislatura Constitucional y su trabajo fue premiado por la Unión de Periodistas, de la que fue fundadora, con el I Premio a la Libertad de Expresión. Sus crónicas se recogieron en el volumen El túnel, historias de pasillos. Fundadora de los Comités por la Libertad de Expresión y miembro de la primera junta directiva democrática de la Asociación de la Prensa de Madrid, fue asidua colaboradora de radio y televisión, así como conferenciante y columnista en diarios y revistas. En 1978 recibió un premio Ondas. Desde la adolescencia, su gran vocación es la literatura. Ha publicado tres novelas cortas, diversos relatos y un libro de poemas. No dejes pasar de largo esta maravillosa y dura historia.

DONDE TODO HA SUCEDIDO

Para todos los amantes del buen cine. En Donde todo ha sucedido (al salir del cine), se recogen los principales artículos sobre cine de Javier Marías aparecidos en Nosferatu, Nickel Odeon, El Semanal, El País y otras publicaciones, de 1992 a 2004. Centaruos del desierto, de John Ford; Campanadas a medianoche, de Orson Welles; El fantasma y la señora Muir, de Mankiewicz; Con la muerte en los talones, de Alfred Hitchcock; o Ed Wood, de Tim Burton. Todas ellas son algunas de las películas inolvidables del celuloide que, a través de la hondura y fina percepción del escritor-cinéfilo, nos llegan con una nueva mirada. Su propio hermano, Miguel, también afamado escritor, dice en el prólogo de este libro: "Cuando Javier Marías escribe sobre cine no es ni el novelista ni el ciudadano homónimo que publica "columnas" en prensa y comenta lo que sucede a su alrededor, sino un personaje intermedio, lo que de él permanece invariable desde que le conozco. Sus escritos relacionados con el cine son esencialmente literarios, pero no se conforman con narrar de nuevo o desmenuzar los argumentos de las películas; Javier no es propiamente lo que hoy se considera un "crítico cinematográfico", pero en cambio sabe muy bien que en el cine, como por lo demás en la literatura, no es tan importante lo que se cuenta sino la manera de contarlo, de abordarlo, de desarrollarlo." Javier Marías nació en Madrid en 1951 en una familia de intelectuales republicanos. Su primera novela, Los dominios del lobo, la publicó cuando aún no había cumplido los veinte años. Desde entonces ha escrito: Travesía del horizonte (1972), El monarca del tiempo (1978), El siglo (1983), El hombre sentimental (1986), Todas las almas (1989), Mañana en la batalla piensa en mí (1994), Negra espalda del tiempo (1998) y Corazón tan blanco (1992), merecedora de premios como el de la Crítica, el Prix l´Oeil et la lettre y el IMPAC Internacional Dublín Literary Award. Asímismo, es un prestigioso escritor de relatos, reunidos la mayoría en dos volúmenes: Mientras ellas duermen y Cuando fui mortal. Os le recomiendo, sobre todo a los que, como yo, disfrutamos como enanos con el cine de antes.

EL IMPOSIBLE OLVIDO

"todo empezó cuando soñé con él por segunda vez...". Una historia de Antonio Gala. En vida, a nadie, ni siquiera a su mujer y a sus hijos, se atrevió Gaspar Barahona a narrar su increíble aventura. Comenzó en Granada a sus veintidós años; concluyó en Málaga a los cuarenta y dos. El resto, hasta el final, en que deseaba morir para comprobar que todo había sido cierto, fue una dolorosa cuesta abajo. Una confusa mezcla de deterioros y añoranzas; de acontecimientos reales (la separación de su mujer, las complicadas andanzas de sus hijos, el abandono de un próspero bufete) y de otros acontecimientos recordados, entre voces oídas en su interior que le sirvieron de guía y de consuelo. ¿Dónde termina la realidad y dónde empieza el sueño? Un sueño real fue lo más emocionante de la vida de Gaspar Barahona. El imposible olvido de ese sueño y de sus consecuencias es lo que él mismo nos cuenta en este libro, camino de la luz y su esperanza. La subyugante historia del protagonista estuvo asistida por una luz insólita: la que emanaba alguien convertido en su verdadero protagonista. De ahí que este libro no sea una novela de misterio, sino un misterio transformado en novela. No estamos solos ni la realidad se reduce a nosotros. El imposible olvido trata de un amor no designado así puesto que no hay palabras para él. Un amor ligado al enigmático y fulgurante principio de la vida. Como todo lo que escribe Antonio Gala, no le dejéis pasar por vuestra vida sin adentrarse entre sus páginas.

EL ARPISTA CIEGO

Una fantasía del reinado de Tutankamón. El canto del cisne de Terenci Moix. En una calle de Tebas han nacido Ipi, un niño ciego, y Jonet, un pillastre redomado. En la Ciudad del Sol, capital del heredero Akenatón, nace el mismo año el que se convertirá en el nuevo faraón, Nebjeperure Tutankamón. Las vidas de los tres niños, inicialmente dispersas, terminarán uniéndose gracias a una trama ingeniosa que culmina en un desenlace sorprendente y rebosante de ironía y ternura. El relato, narrado con un estilo coloquial, finge ser novela histórica pero de hecho es una fantasía surrealista (con anacronismos voluntarios incluidos), un alegato a favor de la tolerancia y un verdadero despliegue costumbrista tratado con delicada precisión. Los temas preferidos de Terenci Moix: la vida inocente del patio de vecinas; la fascinación por el doble, la belleza y la juventud; el orgulloso desafío frente al paso del tiempo, la lucha entre la realidad y la fantasía, todos son tratados aquí de una forma renovada e inspiradísima. Sólo Terenci Moix podía unir el misterioso tema de la música en el Egipto faraónico con la irreverente consagración de Tutankamón como fetiche erótico. Esta narración, donde los hombres alternan con los dioses y la realidad con la fantasía más surreal, es una transgresión de la novela histórica tradicional. La historia de tres adolescentes (el músico ciego, su enloquecido amigo flautista y el faraón) se completa con una pléyade de personajes que van tejiendo historias apasionantes, ya por su humanidad, ya por su humor. Es un viaje iniciático, a veces un sueño astral, donde se juntan los grandes temas del amor y la muerte con una preciosista recreación de la vida cotidiana egipcia. Pero es también un brillante ejercicio literario y la quintaesencia del mundo de Terenci, un mundo que destaca por su absoluta originalidad y feroz independencia en la narrativa española actual. Un canto del cisne hermoso para uno de los grandes. No te la pierdas.

NOSOTROS QUE NOS MENTIMOS TANTO

Una historia hecha de sentimientos. Odisea Editorial nos presenta el nuevo libro de Luis Deulofeu. "En no ser amado sólo hay mala suerte; en no amar hay desgracia" (Albert Camus) «La garganta es tan profunda como la oscuridad. Ni Dios respira. Las luces no se encienden, los dos hombres sí. Desconocen la verdadera dimensión de sus cuerpos. Toda defensa del yo en el momento de la entrega es inútil. La bondad de darse los hace partícipes verdaderamente de lo que cada uno tiene para dar. Los gritos que se escuchan son los del delirio. Nadie, salvo ellos dos, puede ser feliz esta noche». Tras el éxito obtenido con su anterior novela, "No llores ni tengas miedo", el cubano Luis Deulofeu (que ha colaborado en publicaciones como el diario El Mundo o la revista Zero) vuelve a sorprendernos con "Nosotros, que nos mentimos tanto", una emocionante historia en la que Deulofeu rastrea las huellas que deja el deseo en el joven corazón de Li, protagonista del relato. Li es un joven universitario cubano que se repone de una hepatitis en un pequeño hospital de la isla. Allí despierta al deseo a través del cuerpo del adolescente Yosbani, un hermoso campesino que cambiará, con su simple presencia física, el destino del Li, cuyo recuerdo le perseguirá a lo largo de toda su vida. Yosbani se convertirá así, para el periodista, en algo así como un «amuleto secreto», una mentira con la que escribir su primera novela. Para aquellos que aún no le conozcan esta es una muy buena oportunidad para adentrase en la obra de uno de los autores más interesantes de la joven narrativa hispanoamericana, de quien la crítica ha dicho: «Deulofeu es radical, apuesta por la posibilidad de explorar la experiencia de futuro, un espacio venidero en el cual la actualidad cobra su verdadero sentido». NO TE LE PIERDAS

CANDILEJAS

la gran película sobre el amor y la vida. En 1948, Charles Chaplin comienza los preparativos de Candilejas, cuyo rodaje finaliza en 1952. Esta gran película (0bra maestra en mayúsculas) nos muestra otra cara diferente de Chaplin. Con un marcado acento personal, la historia argumental va desgranándose a lo largo de más de dos horas, en una especie de testamento artístico. Ahora la temática principal es él mismo. Con más de 60 años a las espaldas, Chaplin y Calvero (el protagonista de la historia) son la misma persona, la representación de una idea fundamental: a pesar de las dificultades, aún es tiempo de luchar por uno mismo y por los demás. El tono dramático de la película llega a su cima al final, con la muerte del payaso. Pero desde el principio de la misma podemos apreciar las cualidades que en este sentido animan la historia. Es interesante también cómo Chaplin se vuelve humilde, sin ambiciones apenas, salvo la de ayudar a Terry, que es mucho más joven y que también ha sufrido sinsabores en la vida. Y en este proceso se dará cuenta de lo poco que vale para los demás, ya que una vez cumplida su misión, se retira. Se va porque no quiere la compasión ni la piedad de ella. Sabe que si Terry se quiere casar con él, es por una obligación moral. Y esto le duele más que la propia muerte. En esta indiscutible obra maestra, Chaplin se parece a Chaplin más que nunca. Se quita la máscara y el maquillaje de antes, con lo que le vemos tal y como es en la realidad, sin ningún tipo de artificio. Entonces la melancolía hace su presencia. Pero Chaplin también nos va a mostrar una última actuación como payaso, en un homenaje a sus tiempos dorados y a lo cómico en general. Antes le vemos maquillarse en el camerino, en una especie de ceremonia en la que se coloca la mortaja que le acompañará en su número junto a Buster Keaton. Tras el destierro al que se vio obligado Chaplin fuera de la tierra que le vio nacer como el gran cómico que fue, injusticia auspiciada por el propio Fiscal General de Estados Unidos por las simpatías que el gran autor compartía con los partidos comunistas, tendrían que pasar 20 años hasta que Candilejas se estrenara en las salas de cine estadounidenses, hecho este que coincidió con el retorno del artista con motivo de la concesión de un Oscar Honorífico a toda su carrera. Una vez más, Chaplin demostró que su arte está más allá de las fronteras y las nacionalidades y que el único lugar donde habitan, es en los corazones de aquellos que sienten y se emocionan con obras maestras como la que cuenta la triste historia de una bailarina que ya no quiere vivir y de un payaso apagado que se aferra a la vida en sus últimos días. Para verla en silencio, con la luz apagada... y para permanecer callados unos minutos después de la proyección. Imprescindible.

EL CINE DE FASSBINDER

Imágenes que te atrapan para no soltarte jamás. Excesivo, trasgresor, polémico, lúcido, prolífico, depresivo, drogadicto y abiertamente homosexual. Rainer Werner Fassbinder fue uno de los más destacados representantes del 'nuevo cine alemán' de los años 70, y uno de los primeros autores en dar visibilidad a personajes homosexuales en sus filmes. Aprovechando el 25 aniversario de su prematura muerte, vamos a repasar la ajetreada vida y la carrera del autor de clásicos como 'Querelle' o 'Las amargas lágrimas de Petra von Kant'. La biografía de Fassbinder es un cúmulo de contradicciones y opiniones encontradas. Su personalidad, fuertemente autodestructiva, era tan arrolladora que agitaba, para bien o para mal, todo lo que estaba a su alrededor. Homosexual pero casado dos veces con mujeres, brutal con los actores que, sin embargo, le adoraban; perseguido por la ultraderecha y odiado por los comunistas, Fassbinder calmaba su profunda insatisfacción vital consumiendo drogas y trabajando a destajo: más de 40 películas y 15 obras de teatro en menos de 15 años de carrera. "Ya dormiré cuando esté muerto", solía decir. Se suele dividir la obra de Fassbinder en tres periodos (incluso definidos por él mismo). El primero de ellos abarca desde sus inicios, en 1969, hasta el descubrimiento en 1971 de los melodramas hollywoodienses de Douglas Sirk. Esta primera etapa es definida por Fassbinder como películas burguesas. 11 filmes muy influidos por la nouvelle vague entre los cuales destaca 'El amor es más frío que la muerte', su primer filme, y 'Atención a esa prostituta tan querida'. Estimulado por la visión de la obra de Douglas Sirk (al que después conoció en persona), Fassbinder decidió dar un giro a su carrera abrazando el melodrama como género popular, pero dotándole de una distancia intelectual que permitiera al público reflexionar sobre lo que estaba viendo. Es su etapa más prolífica y la que le dio fama internacional. Películas como 'Las amargas lágrimas de Petra Von Kant', 'Todos nos llamamos Alí', 'La ley del más fuerte', 'El asado de Satán' y 'Ruleta china' forjaron su prestigio y le colocaron en primera línea del cine de autor europeo. Las últimas película de Fassbinder destacan por ser filmes de época, sobre la historia de Alemania, y muchos de ellos adaptaciones literarias. 'El matrimonio de Maria Braun', con una espléndida Hanna Schygulla; la adaptación de la mítica novela de Alfred Döblin, 'Berlin Alexanderplatz'; y la premiada 'La ansiedad de Veronika Voss', son los filmes más destacados de un periodo marcado por una estética cada vez más barroca y estetizante que desembocará en la tan irregular como fascinante 'Querelle'. "No todas mis películas cuentan una historia gay, pero todas tienen el punto de vista de un hombre gay". Así hablaba Fassbinder sobre su obra en las "conversaciones secretas" mantenidas con el periodista especializado en cultura gay Boze Hadleigh. 'Las amargas lágrimas de Petra von Kant', 'La ley del más fuerte', donde el propio Fassbinder interpretaba el personaje principal, o su obra póstuma, 'Querelle', basada en la novela de Jean Genet 'Querelle de Brest', son sus principales películas, las más difundidas, de contenido explícitamente gay. Fassbinder tuvo a su musa particular en la actriz Hanna Schygulla. La "Marilyn de los suburbios" (como ella misma se definía) fue clave en la carrera del director alemán. En una obra en la que abundan los personajes femeninos, la Schygulla interpretó varios de los más emblemáticos e inolvidables. Fue la heroína de 'El matrimonio de Maria Braun', el objeto de deseo de Petra en 'Las amargas lágrimas de Petra von Kant', o la maravillosa Eva de 'Berlin Alexanderplatz'. Fassbinder murió en Munich en junio de 1982 a los 37 años. En su cuerpo se encontró un mortal cocktail de cocaína, píldoras y alcohol. Pero Fassbinder no se suicidó ese día, lo llevaba haciendo desde siempre, desde que decidió que era mejor vivir una vida breve pero intensa que larga y rutinaria. 'Querelle' fue su última película, estrenada en el festival de Venecia dos meses después de su muerte.

DE REPENTE EL ULTIMO VERANO

La película que rompió moldes hablando de la homosexualidad sin tabúes ni barreras. En Africa del norte, Sebastian Venable, un rico y mimado poeta americano, muere repentinamente durante el verano. El certificado de defunción reza "ataque cardíaco", pero menciona que el cuerpo estaba, de algún modo, "herido". Catherine Holly, la bella prima del poeta, que estaba con él cuando ocurrieron los hechos, balbucea algo sobre "cosas horribles", pero se muestra incoherente y poco clara. Su tía, la señora Violet Venable, decidida a proteger la reputación de su hijo a cualquier precio, quiere recluirla en un manicomio, donde se le practicaría una lobotomía, con el peligro de reducirla a la imbecilidad, que debería terminar con sus desvaríos a propósito de la vida de Sebastian y de su muerte. La señora Venable ofrece un millón de dólares al hospital donde tendrá lugar la operación, pero su brillante y joven neurocirujano, el doctor Cukrowicz, prefiere administrar a Cahterine el suero de la verdad. Bajo la influencia de la droga, en presencia de toda la familia, la sórdida verdad sale a la luz. Sebastian era un homosexual que utilizaba, primero la belleza de su madre - hasta que esa belleza se desvaneció - y después la de su prima, para conseguir jóvenes para él. El modo en que murió fue una espeluznante forma de venganza. De esta morbosa (se realizó en 1959) e inquietante obra maestra de Joseph L. Mankiewicz se dijo mucho en los titulares de la época. Así, en The Saturday Review se decía que Elizabeth Taylor, en el papel de heroína inmersa en una pesadilla típica de Nueva Orleans, trabaja con una intensidad que va más allá de lo creíble; la suya es, sin lugar a dudas, una de las mejores interpretaciones del año o de cualquier año. Katharine Hepburn utiliza cada gramo de su encanto para que su retrato de matrona egocéntrica y madre demasiado complaciente parezca real... Es, en resumen, una excelente versión cinematográfica de una obra que provoca, a la vez, fascinación y náusea, que es brillante e inmoral. Su éxito en la taquilla marcará, incuestionablemente, el futuro de las películas adultas en este país. En 1958, la pieza en un acto de Tennesse Williams De repente, el último verano, se puso en escena junto con otra obra, también en un acto, Something unspoken, bajo el título general de Garden District. Anne Meacham fue Catherine Holly, Robert Lansing era el doctor Cukrowicz y Hortense Alden interpretaba a la señora Venable. Gore Vidal trabajó con Williams en el guión para crear una obra extraña aunque fascinante. Hepburn cobró 175.000 dólares. Se rodó en Inglaterra con el productor Sam Spiegel (La reina de Africa), el director Joseph L. Mankiewicz (La mujer del año) y el director de fotografía Jack Hildyard (Locuras de verano). Mankiewicz consiguió de Elizabeth Taylor la que probablemente sea la mejor actuación de su carrera; su interpretación de los largos y difíciles monólogos fue sobresaliente. La señora Venable, encarnada por Katharine Hepburn, convirtió concienzudamente esta combinación de amor, decadencia y locura en una experiencia demoledora. Esta fue la primera película que dio una pista de los que los cineastas iban a hacer en los años sesenta y setenta. Tuvo éxito y destruyó viejos tabúes referentes a temas intocables. Hepburn y Taylor fueron aspirantes al Oscar a la mejor actriz, pero las dos se anularon mutuamente. La inusual ambientación y los decorados también fueron nominados. No la dejes escapar.

EUROPA 51

La interpretación más desgarradora de Ingrid Bergman. Roberto Rossellini dirige a su mujer, la gran Ingrid Bergman, en este poderoso drama. Irene Girard y su marido George son un acomodado matrimonio americano afincado en Roma. Cuando su hijo se suicida por lo que, en su opinión, es una actitud negligente de su madre con respecto a él, Irene se ve embargada por sentimientos de culpa y remordimientos. Para olvidar su infelicidad, se lanza a las calles de Roma y, sin mostrar una idea clara y organizada sobre sus planes filantrópicos, comienza a ayudar a todo aquel que encuentra en su camino de forma indiscriminada, sin tener en cuenta las circunstancias reales de la situación. Presta su ayuda a madres rebeldes, a prostitutas... la hez de la sociedad, con criterios no necesariamente juiciosos, y su desconcertado marido y su distinguida familia tratan de complacerla en todo lo que pueden, ya que piensan que el dolor por la muerte de su hijo le ha trastornado el juicio. Sin embargo, cuadno ayuda al hijo de un pensionista, en realidad un joven criminal, a escaparse de la policía, su marido cree que ha ido demasiado lejos y que ha perdido el juicio, y decide internarla en un sanatorio mental. Una gran película que se ve con un nudo en la garganta constante hasta que la emoción por ver a la protagonista encerrada en la habitación del sanatorio ante la impotencia de sus "protegidos" hace su aparición. Impresionante la escena en que reconforta a una joven prostituta en los últimos minutos de su agónica vida. No te la pierdas. Y mejor, en versión original.

CABARET

La gran película que vio nacer a un mito. Barry Norman destacó de esta obra maestra de Bob Fosse: Una decadencia rutilante, atractiva y repulsiva a la vez, se cierne sobre Cabaret. Se advierte sobre todo en las escenas del cabaret propiamente dicho, cuyas actuaciones son dirigidas por un presentador que es como un muñeco maligno y obsceno, magníficamente representado por Joel Grey. Pero también se deja notar en el argumento principal, que narra las relaciones entre un joven inglés (Michael York) y una cantante ambiciosa (americana en la película, pues el papel lo representa Liza Minnelli), y la seducción de ambos por un barón alemán (Helmut Griem). Pero la decadencia de este tipo, que rezuma sexualidad, parece casi deseable cuando se contempla en su contexto: el Berlín de los años 30, con los nazis en el poder. Lo que éstos representan, con su fanático antisemitismo (que se advierte en las penalidades que padecen los amigos judíos de York, Marisa Berenson y Fritz Wepper) y con su fría brutalidad, es una decadencia todavía mayor. Cabaret, basado sobre todo en la novela de Christopher Isherwood, Farewell to Berlin, y también, en parte, en la adaptación teatral de la misma por John Van Druten, titulada I am a camera, aprovecha muy bien el fondo político, sobre todo en la escalofriante escena en que un apuesto muchacho con el uniforme de los nazis se levanta en la terraza de un café y canta "El mañana es mío". Pero el centro de atención es el cabaret mismo, donde canta Minnelli y actúa Grey, y el carácter grotesco y febril de las festividades refleja la desesperación de los foráneos dentro de la sociedad berlinesa, que no son capaces de aceptarla y que, en todo caso, no son aceptados por el monstruoso régimen que gobierna su país. En este aspecto, y en la yuxtaposición entre la narración principal, la presencia generalizada de los nazis y la alegría frenética del cabaret, es donde más vida tiene la película. Liza Minnelli, en su primer papel de cantante en la pantalla, puede ser algo diferente a la imagen que mucha gente tenía del personaje de Isherwood, Sally Bowles, pero aporta al papel la proporción adecuada de despreocupación y vulnerabilidad. Los valores de la producción (composición, estructura, montaje, iluminación) son de primer orden, y el resultado es una película musical que es mucho más que una película musical." Ganadora de 8 oscar, se hizo imprescindible desde el mismo día de su estreno. No te la pierdas.

LA GRAN ILUSION

"Hice La gran ilusión porque soy pacifista". En su libro "Las 100 mejores películas", John Kobal comenta de esta gran película: "La obra maestra de Jean Renoir sobre la guerra, el pacifismo y la creación de un nuevo orden mundial, La gran ilusión, está basada en una anécdota real de un soldado que escapó numerosas veces de campos de prisioneros alemanes durante la Primera Guerra Mundial. El guión de Charles Spaak fue rechazado por varios productores hasta que Jean Gabin, el actor francés más popular de su generación, que iba a interpretar el papel de Maréchal, se unió al proyecto. Cuando Erich von Stroheim se interesó por el papel de Rauffenstein, el comandante del campo de prisioneros, fue aumentado desde una pequeña aparición de cinco minutos para convertirse en un aspecto fundamental y dominante de la película. Von Stroheim, con sus guantes blancos y el collarín (una idea que se le ocurrió a él mismo para mostrar que Rauffenstein había quedado inválido para el servicio activo), se ha convertido en la imagen más conocida de la película, simbolizando el antiguo orden aristocrático de Europa que se desmorona ante la embestida del armamento y la tecnología de la guerra moderna. La gran ilusión permitió al público ver que "el hombre que quieres odiar" (sobrenombre con que Stroheim fue conocido en su época gloriosa) también tiene rostro humano. Se dedicaron cuatro semanas al rodaje de exteriores en Alsacia, en un cuartel situado en Colmar que mandó construir Guillermo II. Con esta película, al igual que con la posterior, La regla del juego, Renoir explotó las oportunidades de la suerte y la improvisación siempre que fue posible, incluyendo el reparto, el argumento y la caracterización. Los personajes tienen el francés como lengua común, pero todos hablan en su propio idioma entre ellos, con subtítulos. Boieldieu, el aristocrático héroe francés, habla en inglés con Rauffenstein. Obtuvo el Premio especial del jurado en el Festival de Venecia de 1937, pero fue prohibida en Italia hasta después de la guerra. Los nazis estaban divididos en sus opiniones. A Goering, por ejemplo, le gustaba; sin embargo Goebbles la describió como el principal enemigo cinematográfico y consiguió que fuera prohibida. "La personificación de un oficial alemán por parte de Von Stroheim es una caricatura", protestó en Venecia. Franklin Delano Roosevelt se limitó a decir que "todos los demócratas deberían verla". A pesar de ello, la versión original, en la cual una mujer alemana y un soldado francés viven juntos y comparten una cama, no fue mostrada ni siquiera a los demócratas hasta 1958. Y en Estados Unidos los subtítulos nunca incluyeron la palabra "judío", una omisión contestada por Renoir cuando la vio traducida por primera vez." Imprescindible y emocionante de principio a fin.

LA LOBA

la película que dio el sobrenombre a Bette Davis. A partir de su propia obra teatral, la conocida escritora Lillian Hellman escribe un buen guión que, dirigido por William Wyler, fotografiado por Gregg Toland, producido por Samuel Goldwyn, da ocasión a Bette Davis para hacer uno de sus más característicos papeles de mala. Sin olvidar sus orígenes teatrales y en medio de una eficaz atmósfera, narra cómo conducen a una tragedia la avaricia de una familia del sur de Estados Unidos en los años posteriores a la guerra de Secesión y las malas relaciones entre el matrimonio integrado por Regina (Davis) y Horace Giddens (Herbert Marshall). De esta impecable película han dicho: "La loba se sitúa, de golpe, en primer lugar como la película más acremente siniestra del año y uno de los estudios de carácter más cruelmente realista hasta hoy presentados en la pantalla... La interpretación de la señorita Davis, en el papel que Tallulah Bankhead ofreció tan descarnadamente en el teatro, está lleno de matices y de carácter. La loba no aumentará su admiración por la humanidad. Es fría, cínica, pero es una película muy excitante para verla cómodamente, de un modo objetivo, sobre todo si usted disfruta con este tipo de maldades y traiciones". Bosley Crowther, en The New York Times No añado más. La secuencia en que Bette Davis deja morir a su marido es recordada aún hoy día como una de las más fascinantes de toda la Historia del Cine.

QUE VERDE ERA MI VALLE

Una de las muchas joyas de John Ford. Ganadora de 5 Oscars, este desgarrador film del productor Darryl E. Zanuck y el director John Ford, nos devuelve todo el sabor de la época dorada de Hollywood y se revela como una de las mejores películas jamás rodadas. A sus 60 años, Huw Morgan echa la vista atrás y nos relata su vida desde que era un niño en una pequeña ciudad minera de Gales. Sus recuerdos nos muestran la dolorosa separación de sus padres del clan de los Morgan, al tiempo que captura los sentimientos y asuntos políticos de aquella época. Maureen OHara y Walter Pidgeon co-protagonizan este aclamado clásico de la pantalla, la historia de los sueños, las luchas y los triunfos de una familia. "Qué verde era mi valle" resulta una película inagotable en la que se nos presentan, en sucesión constante, los rituales tradicionales de la vida familiar (y comunitaria) asociados a las costumbres tribales más primitivas. Todos son observados por un niño en el que dejan huellas imborrables. Con una fotografía cuidada en correspondencia con los momentos narrativos y una economía encomiable en su gusto por la condensación significativa, la película se inscribe por derecho propio en la Historia del Arte. Basta recordar a este respecto el momento en que el pastor oficia el matrimonio de la chica que ama con un rico de la región y el plano general que le muestra bajo la sombra de un árbol, impotente, inmóvil, ante una situación que no puede controlar mientras, en primer término, vemos a los recién casados con sus invitados. Mención especial merece el excelente decorado del pueblo minero en que transcurre la acción. Las despedidas de los hijos que deciden emigrar a los Estados Unidos o el reencuentro entre el pequeño Huw y su madre, en primavera, cuando ella se ha restablecido del accidente que sufrieron en invierno. Los últimos minutos de esta maravilla hecha película, se visionan con un nudo en la garganta sincero y emotivo. No sólo es imprescindible verla. Es que hay que adorarla.

NAPOLEON

Una de las cumbres de la historia del cine. Para un enamorado del cine mudo como yo, esta gran obra dirigida por Abel Gancé, es una de las joyas de la corona. En su libro "Las 100 mejores películas", John Kobal comentaba: Aunque realizada en 1925, utilizó todo lo que fue usado o desarrollado posteriormente en el cine, como el color, la sobreimpresión, la cámara lenta, la yuxtaposición de tomas, el uso de la cámara como bola de nieve y la cámara atada a un caballo para conseguir una sensación de envolviminento. Se utilizó Polyvisión y la proyección en tríptico, que Gancé definió así: "el tema, la historia que se está contando, está en la pantalla central. La historia es prosa, y las hojas, las pantallas laterales, son poesía". Estrenada dos años después de su producción, se realizaron numerosas versiones a partir del original, su atractivo se debe a la manera en que transmite un sentido de la importancia histórica de los personajes y los acontecimientos. Imprescindible.

BOY CULTURE

Los sentimientos son lo único importante en la vida. Una película de Q. Allan Brocka Tras diez años de sexo por dinero, "X" descubre algo inesperado de manos de un cliente mayor, quien le cuenta la historia de un amor no resuelto que dura ya cincuenta años y que reta a "X" a intentar algo que no ha sentido en años: dejarse llevar por los sentimientos. Una maravillosa película que os recomiendo desde ya mismo y que fue galardonada con los premios del jurado a la mejor película y guión en los Festivales Internacionales Gay y Lésbicos desarrollados en Milán y Filadelfia durante 2006. Si la ves en VOS, descubrirás matices que se pierden en la versión doblada. NO TE LA PIERDAS.

Obra cumbre de Miguel Bosé, producido con la casa musical WEA y lanzado en 2004. Este disco destaca de los demás por ser el mas trabajado, cuidado y laborioso de todos. El mismo Miguel Bosé reconoce no sólo que es su máxima obra, su tributo a su educación y cultura artisitica (recordemos que estuv rodeado de arte y cultura desde su niñez, siendo Pablo Picasso y Ernest Hemingway amigos cercanos de la familia) sino aquella a la que más atención ha puesto, desde los pequeños detalles hasta la producción misma, en la cual no solo ha colaborado, si no que intervino intensamente junto con Chris Cameron. La cancion "Por vos muero" tiene los versos de la poesia de Garcilaso de La Vega "Yo no naci sino para quereos". Las canciones destacan por contener numerosos coros, musica de orquesta y una voz cuidada hasta el extremo. Es la incursión -a manera de tributo- al cine (donde Miguel Bosé también ha brillado) a través de la banda sonora.

De Pierre et Gilles a Robert Mapplethorpe, pasando por La Chapelle, Wolfgang Tillmans o Philip-Lorca di-Corcia. Hacemos un recorrido por la provocación y sensualidad de la fotografía homoerótica a través de la obra de sus principales figuras.

James Bigwood 1933
Este artista de culto, desconocido todavía por muchos, sentó las bases de la estética queer en los 70 y sirvió de referente para artistas como Pierre et Gilles y David La Chapelle, herederos de su legado en la actualidad. La película 'Pink Narcissus', una revisión del mito griego, fue la más importante de sus obras.

Pierre et Gilles. 1949 y 1953
Principales representantes de la estética "kitsch", Pierre et Gilles son quizá la pareja artística que goza de mayor fama y reputación entre el público gay. Sus efebos, santos, personajes bíblicos y sensuales seres mitológicos retratados en esa atmósfera onírica, artificial y colorista, se han convertido en todo un símbolo para la cultura gay.

David La Chapelle. 1969
Incluido en la lista de personas más importantes en el mundo de la fotografía por la revista 'American Photo', David La Chapelle comenzó su carrera bajo la protección de Andy Warhol, que le ofreció su primer trabajo como fotógrafo en la revista Interview. La apariencia frívola de sus imágenes, que encarna su espíritu hedonista, y la ironía son algunas de las características que identifican su obra.

Erwin Olaf. 1959
Este fotógrafo holandés se ha atrevido a retratar en su serie 'Sangre Real' a la Princesa de Gales atravesada por la estrella de Mercedes, fotografiar Pin Up's de 70 años y cuestionar el fetichismo por las marcas de lujo en su serie 'Fashion Victims'

Ryan McGinley. 1977
El efectismo de los posados neobarrocos de David La Chapelle o Pierre et Gilles han dado paso a la frescura de Terry Richardson y compañía. La inmediatez y naturalidad de estas imágenes dan una bocanada de frescura a la fotografía y también al erotismo.
Página oficial de Ryan Mcginley

Philip-Lorca diCorcia. 1953
En una de sus principales series el fotógrafo norteamericano, Philip-Lorca diCorcia, recoge con su cámara una compilación de chaperos en una especie de inventario de prostitutos, clasificados por su lugar de procedencia, edad y tarifa de sus servicios. Aunque con estética documental, la iluminación artificial de sus fotografías lo alejan de la inmediatez de McGinley y Tillmans.

Mapplethorpe 1946-1989
Si las imágenes de James Bigwood encarnan el exceso barroco, el equilibrio clásico es representando de forma magistral por Robert Mapplethorpe. El fotógrafo neoyorkino trató las flores de sus bodegones con el vigor y la sensualidad de un falo, sin embargo fue capaz a su vez de tratar la sordidez del sexo y las prácticas sadomasoquistas con la delicadeza de una orquídea.
Robert Mapplethorpe escandalizó y lo continúa haciendo tras su muerte por Sida a finales de los ochenta.
Página oficial de la Fundación Robert Mapplethorpe.

Bruce of L.A. 1909-1974
El clasicismo tiene otro significado en la obra de Bruce of Los Angeles. Aquí el equilibrio y la perfección no se demuestra en la técnica ni composición de la foto, sino en el cuerpo de los modelos representados, musculosos deportistas que recuerdan a las esculturas de Praxíteles.
Página que recoge alguna de las mejores fotografías de Bruce
of L.A.

texto de Sergio Arribas

Un nuevo calendario de chicos guapos. En esta ocasión, bastante vestidos todos, aunque no por ello dejan de ser una alegría para la vista. Se trata del Calendario Romano para 2008.Doce guapísimos sacerdotes ilustran cada uno de los meses del año para el deleite de gays y feligresas. No sería la primera vez que un grupo religioso echa mano de sus devotos más atractivos. Hace tan sólo un par de semanas conocimos el calendario 'Men on a Mission', donde doce misioneros mormones se quitaron las camisas para recaudar fondos con los que continuar su cometido: difundir la palabra de Dios. Los calendarios se pueden comprar por Internet y también en alguna librería gay. No sabemos cómo sentará esto a la iglesia, que en la última semana ha suspendido a un sacerdote por confesarse gay y ha comenzado una cruzada para alejar de su seno a todos aquellos que tengan tendencias homosexuales o apoyen la cultura gay.

Matteo Trisolini ha vuelto a ser elegido para participar en la muestra artística 'OUT Action', que organiza anualmente la 'Gay and Lesbian Alliance Against Defamation'.La composición con la que ha colaborado, de la cual podemos ver un extracto, se llama 'Last Supper at Casa Versace', donde ha multiplicado al modelo Francesco Guglielmino para representar una "última cena al desnudo". La GLAAD es una organización que se autodefine como "dedicada a la promoción de imágenes veraces de la comunidad LGTB en los medios, para eliminar la homofobia y discriminación". También os puede sonar por premiar anualmente a los famosos más LGTBfriendly. Esta asociación ha contado con Trisolini en tres ocasiones anteriormente, subrayando su claro espíritu crítico y el cuidado formal que guardan sus fotografías. No obstante, de su última serie de fotos -a la que pertenece 'The Supper...'- no se puede decir que represente una imagen real de la comunidad homosexual, sino que es un estudio de obsesiones y demencias que brotan en la psique occidental. 'Tales in a Box' es el nombre que recibe el último trabajo del fotógrafo. Lo conforman una colección de "historias cortas" que tratan la frustración como elemento cotidiano en la vida de sus protagonistas. El proyecto toca muy de cerca temas como el papel de los medios de comunicación a la hora de definir la idea de belleza, la fama o el éxito. Además recoge las implicaciones que han hecho de estos dogmas la religión más sólida del siglo XXI. En 'Tales in a Box' se repasan desgracias obsesivas, desórdenes afectivos y adicciones secretas, en un entorno que por natural, impacta con mayor efectividad. Según las palabras del autor plasma "ese secreto que todos tenemos pero que no reparamos por decisión propia". Todas las imágenes hablan sobre dilemas no resueltos, desde la obsesión con la propia persona hasta los desórdenes alimentarios, pasando por una larga lista de filias y algias. Estás imágenes, de las que aquí recogemos varios detalles, han viajado por varios países despertando la curiosidad de cada vez más criticos y entendidos, por lo que sospechamos que la fama y el valor de este artista está creciendo a una velocidad asombrosa. Solamente 'Tales in a Box' ya ha sido exhibida en ciudades como Manhattan, Milan o Berlín, con también un notable éxito e interés por parte del público.
Matteo Trisolini nació en Italia en 1974. Estudió Marketing y fotografía en Milán, donde comenzó a realizar sus composiciones usando de modelos a amigos actores, adaptando el estudio en el pasillo de su propia casa. Años más tarde Matteo puede estar orgulloso de su carrera como fotógrafo. Sin ser un artista de primera línea ha exhibido sus trabajos en numerosas galerías y museos de Europa y EE.UU. Algunos ejemplos son el 'Palazzo della Triennale' de Milán, el 'Palazzo delle Esposizioni' de Roma o el 'Ag Art Space' y el 'Williamsburg Art and Historical Center', de New York. Matteo ha fotografiado caras conocidas del mundo gay como la de los cantantes Lance Bass y Ari Gold. Últimamente también ha preparando imágenes para la premiada versión estadounidense de 'Betty la Fea', así como para revistas de moda como 'Elements Magazine', 'Ego', 'Cannibali' y 'Nikky Style'. Matteo ha sido seleccionado este año entre los artistas italianos con mejor proyección, por lo que será invitado especial del 'Orvieto Fotografia Festival', donde se entregan los premios nacionales de fotografía italianos.

Sergio P. Sanjuán

Un jurado ordenó que una iglesia de Kansas que se opone a los homosexuales pague 10,9 millones de dólares en daños a los familiares de un soldado estadounidense que murió en Irak, debido a que sus miembros festejaron su muerte en el funeral. Miembros de la iglesia, que dijeron que la muerte del cabo Matthew Snyder era el castigo de Dios a Estados Unidos por tolerar la homosexualidad, asistieron en 2006 al funeral en Maryland, donde entonaron canciones que decían "te vas al infierno" y "Dios te odia". El jurado federal determinó que la Iglesia Bautista de Westboro, con base en Topeka, y tres de sus directores violaron la privacidad de la familia del fallecido y les infligieron daños emocionales. Albert Snyder, padre del marine, testificó que su hijo no era homosexual, pero la iglesia se centró en el Ejército como símbolo de la tolerancia de Estados Unidos a los gays. Matthew Snyder murió en combate en Irak en marzo de 2006. El jurado otorgó a la familia de Snyder 2,9 millones de dólares como indemnización por perjuicios, además de 8 millones de dólares como indemnización punitiva por daños en la primera demanda civil contra la iglesia, que se ha manifestado en unos 300 funerales militares en los últimos dos años. La demanda señala que la página web en Internet difama a los soldados estadounidenses, acusándolos de ser adoctrinados por "propaganda homosexual". "Espero que sea suficiente para disuadirlos de que hagan esto a otras familias. No se trata del dinero. Se trata de detenerlos", sostuvo Snyder, de York, Pennsylvania. La iglesia, que no está afiliada a ninguna denominación mayor, está dirigida por el reverendo Fred Phelps, quien ha encabezado una campaña contra la homosexualidad durante años. La mayoría de los 70 miembros de la congregación pertenecen a su familia. "Le tomará unos pocos minutos a la Corte de Apelaciones del Cuarto Circuito revertir esta cosa tonta", afirmó Phelps. Su hija Shirley Phelps-Roper, quien también es una de los acusados, prometió continuar protestando en los funerales militares y dijo que la decisión de la corte era un golpe contra la libertad de expresión.

José María Aznar continúa con su labor como ensayista político. Acaba de publicar 'Cartas a un joven español' (Ed Planeta). Siguiendo la estela de Rilke, con sus cartas al joven poeta Franz Xaver Kappus, o Savater, con sus consejos éticos a Amador, el ex presidente del gobierno adoctrina a un tal Santiago, un chico incomprendido al que llaman facha, explicándole lo que significa ser un buen español.
Esto es lo que dice sobre la familia y la homosexualidad.
Aznar deja claro lo que es, o debería ser, una familia española: “Por mi parte yo creo, Santiago, en una familia compuesta de un hombre y una mujer, con hijos, y extendida a todos los miembros que por costumbre, por consanguinidad o integración, pertenecen a ella”.
Santiago debe saber que eso del matrimonio gay no existe: “No estoy de acuerdo en que se considere cualquier situación equivalente a la familia de la que te hablo. Lo mismo en cuanto al matrimonio. No me parece correcto que se le dé el carácter de matrimonio a una unión que no sea entre un hombre y una mujer. Es algo respetable, pero no forma un matrimonio. Ni equivalente, ni alternativo“.
Aznar alerta sobre los peligros de permitir a los homosexuales tener hijos: “No sé, y creo que nadie lo sabe, qué pasará cuando un niño o una niña no puedan llamar padre ni madre a quienes se dicen sus progenitores pero que en muchos casos no lo van a ser. ¿Qué idea del mundo y de la realidad van a tener unos niños así criados? ¿La de que todo es posible? ¿La de que las leyes pueden dar satisfacción a todos los deseos?”.
Después de cargar contra la izquierda, Aznar tranquiliza a Santiago: "Calma si te llaman "facha". En España, el rechazo legítimo a la dictadura se extendió hacia todo lo que significara la costumbre y la tradición. Aunque fuera anterior a la dictadura. En la facultad, tú has oído cómo se mezclan el desprecio al matrimonio entre el hombre y la mujer con alusiones al franquismo y la dictadura. Me dices que califican tu postura de facha. Tú tranquilo.”

SIETE PAISES CONTINUAN EJECUTANDO PERSONAS POR ACTOS HOMOSEXUALES
El 10 de Octubre se conmemoró el Día Mundial en Contra de la Pena de Muerte. Este año también es el primer Día Europeo en Contra de la Pena de Muerte proclamado por el Consejo de Europa el 27 de septiembre de 2007.El Consejo de Europa es la única región del mundo, de hecho, libre de la pena de muerte ya que todos sus miembros han abolido la pena de muerte o han instituido una moratoria a las ejecuciones. Bielorrusia (fuera de la Comunidad Europea CE) es el único país que continúa teniendo la pena de muerte activa en sus leyes. La pena de muerte sigue vigente en otras regiones del mundo y en siete países es aplicada como consecuencia de actos sexuales consensuados entre adultos del mismo sexo. Estos países son: Irán, Mauritania, Arabia Saudita, Sudán, Emiratos Árabes Unidos, Yemen y Nigeria (la pena de muerte se aplica en 12 provincias del norte bajo la islámica de la Sharia). La Asociacion Internacional de Gays y Lesbianas (ILGA, por sus siglas en ingles) e ILGA-Europe apoyan y alientan el debate sobre la abolición total de la pena de muerte y enfatizan el hecho de que 7 países castigan los actos sexuales consensuados entre adultos del mismo sexo. Philipp Braun, Co-secretario General de ILGA, ha manifestado que “El valor y la dignidad de cada ser humano es el centro de la filosofía de los derechos humanos universales. Cada persona es única y acreedora de los derechos más preciosos garantizados por el Artículo 3 de la Declaración Universal de Derechos Humanos, el derecho a la vida. La sola existencia de la pena de muerte, es una contradicción directa a estos principios y disminuye completamente la dignidad y el valor del ser humano. La sentencia de personas a la muerte por amor y/o afecto, enfocada a personas del mismo sexo, es todavía más bárbara y draconiana. ILGA hace un llamado a los siete países que matan personas simplemente por enamorarse de personas del mismo sexo, que, inmediatamente revisen sus leyes y procedan a abolir la pena de muerte por actos consensuados entre adultos del mismo sexo”.Braun además agregó que “Urge que las Naciones Unidas usen sus poderes y autoridad para defender el valor y la dignidad de cada uno y todos los individuos. ILGA ve positivamente el hecho de que la Comisión de Derechos Humanos de las Naciones Unidas en 2003 y 2004 ya haya votado, como parte de esta resolución, sobre el asunto de la pena de muerte, a condenar la pena de muerte por actos no violentos como los sexuales entre adultos bajo el consentimiento de las partes. El derecho a la vida es universal y absoluto, no puede ser negociado, condicionado o justificado, no hay relativismo nacional en este asunto y no se le debe permitir o tolerar a ningún país que asesine gente”. Patricia Prendiville, Directora Ejecutiva de ILGA-Europa dijo que “El Consejo de Europa puede estar orgulloso de ser la única región del mundo en la cual se ha abolido la pena de muerte como una condición para la admisión de Bielorrusia. Sin embargo, Europa no puede ignorar el hecho de que países en otras regiones del mundo llevan a la gente a la muerte por enamorarse y expresar su afecto. Europa debe emplear toda su autoridad política y económica, sus poderes e influencias en las relaciones con estos países en los cuales se continúa sentenciando a personas gay, lesbianas y bisexuales. No puede existir ninguna justificación para trabajar, apoyar y ayudar a estos países. Urge que las organizaciones europeas tales como la Unión Europea, el Concilio de Europa y las Organizaciones de Seguridad y Cooperación en Europa, así como cada uno de los países europeos, no ignoren la pena de muerte para actos homosexuales en siete países y que usen todos los medios disponibles para manejar este asunto con esos países”.
Traducción: Estuardo Vásquez

ya esta disponible... EL CABARET DE LOS SUEÑOS NOCTURNOS

PINCHA EN LA PORTADA para ver el vídeo presentación de EL CABARET DE LOS SUEÑOS NOCTURNOS, el libro que, de la mano de Producciones Nocturnas y Absenta Poetas, aglutina los poemas, fotografías y relatos que forman parte de Nocturnos y El cabaret de los sueños, mis dos obras literarias ilustradas en Internet. Para los que vivís fuera de Santander, y estéis interesados, lo podréis hacerlo vía e-mail, para remitirlo por correo. Y pronto, tras mi espectáculo Muñecas de cristal, el Gran Show de presentación del libro por diversos lugares de Santander. Precio: 10 euros. Mail de contacto: isidrorayestaran@gmail.com

AL BORDE DE UN HURACAN

Sentado al borde de un huracán,
oteando un horizonte crepuscular,
sintiendo el aire en mi cara
comprobé que, sin tí,
qué difícil es amar.

Cuando no hay paz en el interior
los sentimientos se nublan ya,
y hablar con el corazón es un imposible...
Y al andar, ya sin tí,
qué difícil es amar.

ISIDRO R. AYESTARAN, 1999

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NOSOTROS QUE NOS MENTIMOS TANTO

4. LA MAGIA DEL SEPTIMO ARTE

CANDILEJAS

EL CINE DE FASSBINDER

DE REPENTE EL ULTIMO VERANO

EUROPA 51

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LA GRAN ILUSION

LA LOBA

QUE VERDE ERA MI VALLE

NAPOLEON

BOY CULTURE

5. LA MUSICA QUE ME HACE SOÑAR BAJO MIS AURICULARES

POR VOS MUERO

6. PINTURA

FRIEDRICH

7. MISCELANEA POR DIVERTIMENTO

EL ARTE DE JOCK STURGES

SAILORS

JUAN GRANDE, el artista pop

Edward Gorey y su ABECEDARIO DE LOS NIÑOS MUERTOS

FOTOGRAFIA HOMOEROTICA

LO NUEVO DE MATTEO TRISOLINI

CALENDARIO ROMANO 2008

8. NOTICIAS

UNA IGLESIA DE ESTADOS UNIDOS CONDENADA POR FESTEJAR LA MUERTE DE HOMOSEXUALES

AZNAR CONTRA EL MATRIMONIO GAY

HORRENDA REALIDAD

os espero en mi nuevo trabajo

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